Conversaciones con Magali Lara en el Primer Encuentro de Gráfica y Escritura

¿Como definirias un libro de artista?

Un libro de artista es una obra que sucede dentro del libro . A veces como crítica al objeto cultural y otras aprovechando el formato, el tiempo "virtual" que contiene para hacer la obra.

¿Cuál es la frontera que separa el libro de artista y el libro ilustrado?

El libro ilustrado es la relación entre un texto y sus posibles imágenes. Esto se desarrolla en la primera mitad del siglo veinte con las vanguardias y hay montones de ejemplos en la actualidad. Hay un intento de hacer equivalencias entre los dos lenguajes. El libro de artista mezcla lenguajes porque ya aprendió que todos pueden leerse ya que tenemos la habilidad de combinar diferentes tipos de representación, así el uso de la tipografía o el collage tiene que ver con la secuencia del libro como un todo y no únicamente con el paralelo entre imagen y texto. Claro que hay los libros ilustrados que son libros de artista como Alicia en el País de las Maravillas o la Historia Interminable de Michel Ende, pero son pocos.

¿Qué relación tienen los libros objeto y los libros de artista?

Libro de artista sería la categoría general y libro objeto una subcategoría- El libro objeto tiene su historia como una crítica al objeto cultural que significa el libro, muy específicamente con el trabajo de Dieter Roth. De ahí una cantidad de posibilidades discursivas pero tiene frontera con las cajas y los objetos múltiples, como sería la maleta de Bacon que editó Elena Ochoa Foster en su Ivory Press. Es importante hacer esta diferenciación porque hay otra categoría mayor que contiene al libro de artista y serían las producciones de impresos, objetos o múltiples hechos por artistas que se han desarrollado muchísimo a partir de los a los sesenta y que tienen místicas diferentes. No sé cómo llamarla, pero podemos verla en las ediciones que propone la revista Parkett de artistas contemporáneos.

¿Que diferencias notas entre los libros de artista realizados en los talleres de gráfica con los hechos de otra manera?

La gráfica es un término muy amplio. Creo que la serigrafía y el mimeógrafo fueron muy usados en México y en otros lugares para hacer libros de arista o exploraciones gráficas. Incluiría también la fotocopia y, a veces, como con Marcos Kurtycz que se dedicaba también al diseño, el offset. Si hablamos del grabado te diría que es un medio muy conservador a pesar de las posibilidades técnicas y conceptuales que ofrece. Todavía se piensa en las carpetas de grabado como un texto y una serie impresa. Claro que hay notables excepciones. En México la exploración visual vino del lado de los editores poetas, en especial Juan Pascoe en su editorial Martín Pescador y luego Carmen Boullosa con Tres Sirenas. Usaban lo que se llamaba clichés, que eran usados en las prensas planas y que eran baratos. En pocas palabras: los primeros libros de artista buscaban materiales menos "preciosos", más cotidianos, desmarcando al libro de la gráfica tradicional. Esto, como toda generalización, tiene sus excepciones.

¿Que relación tiene la página en blanco con el espacio virtual?

El libro de artista está sumamente relacionado con la exploración del espacio en la página en blanco en diferentes direcciones:

Primero con Mallarmé , que escribe el poema mientras se desplaza en la página, cambiando la estructura de la caja tipográfica tradicional por otra de mayor movimiento que obliga al lector-espectador a participar y releer el poema que no está fijo.

Esto coincide con un acercamiento entre poetas y pintores para intentar hacer equivalencias entre imagen y texto en pequeños libros ilustrados, grabados casi siempre. En los sesenta esa relación desemboca en la poesía visual y en la proliferación de publicaciones hechas por artistas visuales, entre ellas los primeros libros de artista. La foto también cambió nuestra manera de concebir la página, igual que,gracias a los libros infantiles, la posibilidad de construir objetos tridimensionales a partir de dobleces .Todo eso potenció al libro para servir de soporte artístico.

¿Cómo definirías el libro de artista del siglo XX y XXI?    Para nosotros, artistas del siglo XX, hacer libros tenía que ver con una mística de lo cotidiano , la autogestión y cierta marginalidad con respecto al arte que se presentaba en galerías o museos. Actualmente eso no existe más, la carrera del artista como se concibe hoy en día es una carrera de alto rendimiento comercial que dura pocos años. No quiere decir que no son buenos artistas sino que al tener una visibilidad mayor y que la obra se cotiza a precios muy altos modificó las formas de producción de los libros y al público al que se dirigía. Hay ahora catálogos pensados como libros de artistas como el que publicó el Museo Tamayo para una exposición de Guillermo Kuitca en los años noventa , el del MUCA de Tomás Glassford , varios de Carlos Amorales y Chant d’Amour de Silvia Gruner que está por presentarse en México .

También existe una producción más independiente, más casera hecha por artistas cuyo trabajo no necesariamente finaliza en la creación de un objeto delimitado y que el libro de artista es un contenedor óptimo para todo lo referente al proceso y seguimiento de la obra. Lo mismo digo con respecto a la proliferación de revistas e impresos editados por jóvenes creadores. Falta una cierta reflexión sobre porqué la velocidad es tan importante aún a riesgo de perder claridad en sus propósitos .Tengo la impresión que corresponde a la muy rara o escasa relación que tienen con los relatos nacionales o locales a favor de un culto a ciertas revistas internacionales que publican a esos artistas de alto rendimiento. Eso hace que sea difícil diferenciar las líneas de trabajo, la mística de esa producción. Quizá sería más pertinente preguntar qué cambió en la concepción del libro de artista en esos dos siglos.

¿  Quiénes son, en tu opinión, los más destacados referentes del libro de artista del siglo XX y de lo que llevamos del XXI? 

Sin duda el siglo XX tiene grandes autores .Yo voy a mencionar a unos pocos  que me ayudaron a entender mi propio proceso: Ulises Carrión, Dieter Roth y Daniel Spoerri, Gerhard Richter con su Atlas, W.G.Sebald  con Austerlitz y  Robert Walsser con Escritos a lápiz. En México sin duda Felipe Ehrenberg y Marha Hellion, de maneras muy diferentes. Fueron los primeros en mostrar sus libros y tuve la suerte de poder verlos en vivo.

El siglo XXI hay una proliferación de libros producidos de maneras lujosísimas  o, por el contrario, con bajo presupuesto. En México hay una producción por artistas jóvenes muy saludable, no sólo en la ciudad sino en la provincia. A mí lo que más me interesa es encontrar a esos nuevos autores que nos permiten entrar a una experiencia contundente. 

Esta sorprendente proliferación de libros de artista, de artistas que usan el libro como un soporte para verter su obra, ¿habla quizás de la creciente bibliodiversidad de la que no se llega a saber tanto? ¿Es el libro de artista parte de esa bibliodiversidad que buscamos? ¿O el hecho de que sea una obra única o reproducida en muy pocos ejemplares hace que el libro de artista entre más en las artes visuales y que por tanto no contribuya significativamente a la bibliodiversidad?

Pensemos mejor que hay de libros a libros, maneras de usar ese soporte muy variadas . Necesitamos nuevas maneras de categorizar para entender los propósitos por lo que el libro de artista ha crecido de manera tan sorprendente . Creo que, para mí, sigue siendo importante la posibilidad que sean los artistas los que editen la obra y poder defender el arte local como parte de esa bibliodiversidad de la que hablas.  

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